Reseña: The Mortuary Collection (2019)

Definitivamente los últimos años me tenían malacostumbrado, porque en un mundo plagado de antologías de terror cutres (salvo contadas excepciones), The Mortuary Collection (2019) es una auténtica gozada y una de las representantes más dignas de este subgénero, la prueba de que este se puede hacer bien incluso recurriendo a la superficial carnada de la nostalgia. Esto último lo digo porque un vistazo a la estética y estructura de esta cinta es suficiente para emparentarla con otras antologías de relatos autonconclusivos y anfitrión siniestro al estilo de Cuentos del lado oscuro o, por supuesto, Cuentos de la cripta, que siempre es la referencia más evidente. Sin embargo, este trabajo tiene virtudes propias más allá de sus muy evidentes influencias.

En este caso son tres las historias (cuatro sin contamos lo que se cuenta en el marco narrativo que las engloba), las tres de estilos y referentes muy distintos pero las tres realizadas por el mismo director, el debutante Ryan Spindell. Es precisamente la unidad creativa de tener todos los segmentos realizados por el mismo cineasta lo que da a la película gran parte de su efectividad, dándole además una coherencia interna que mezcla terrores lovecraftianos, comedia de body-horror y hasta una curiosa vuelta de tuerca al género slasher, siempre desde la estética y el espíritu retro que se ven coronados aquí por ese magn´ífico marco narrativo presidido por Clancy Brown en el papel de maestro de ceremonias.

Y lo mejor de todo quizá sea el hecho de que su estética y estilo festivos no impiden un tratamiento de lo más oscuro en algunos de los argumentos, sobre todo en el marco de la historia, una especiamente siniestra considerando el subtexto y una cuya resolución augura nuevas entregas de algo que podría dar mucho de sí. No sé qué tanto éxito pueda haber tenido ni he leído nada acerca de posibles nuevas entregas, pero es sin duda algo que vería como perfectamente posible.

No la vean esperando encontrar algo novedoso o que en cierta forma reinvente el concepto de las antologías de terror. Si la ven que sea para disfrutar de un trabajo muy efectivo que consigue el nada fácil equilibro de calidad en sus historias, uno que no esperaba me fuerga a gustar tanto y que ante mis ojos se ha convertido en otro de estos ejemplos a recordar de lo que llevamos de siglo, en un nivel similar al que ya vimos en obras como Trick ‘r Treat (2008), V/H/S 2 (2013) o Southbound (2015). Muy buena, sin duda, y recomendable hasta decir basta.

Reseña: One Cut of the Dead (2017)

Con One Cut of the Dead (2017) pasa algo curioso y es que no la pude ver cuando se estrenó (en festivales, porque nunca tuvo un pase comercial donde vivo) a pesar de todo el furor que causó y todo el hype que se tejió en torno a ella. He tardado todo este tiempo en verla y ahora siento que esa buena prensa está más que justificada porque esta es sin duda una pequeña joya y una de las películas de zombis más ingeniosas que he visto en un buen tiempo, por mucho que al principio no lo parezca.

Si quieres saber de qué se trata, lo máximo que puedo decir es que va sobre un equipo de rodaje de una película barata de zombis que se ve sumido en un verdadero ataque durante el rodaje, pero incluso esto es simplificarla mucho. Lo cierto es que mientras menos sepas de ella antes de verla mejor, y de hecho algo que siempre me llamó la atención de las reseñas entusiastas que leí es que todas eran muy vagas a la hora de contar de qué iba la trama, y solo tras haberla visto es que me he dado cuenta por qué. La película tiene varios giros interesantes que te hacen replantearte todo y, curiosamente, es algo que sucede más de una vez y descubrir esos momentos por ti mismo es gran parte de la gracia que tiene.

Por supuesto se pueden mencionar cosas más técnicas como su estética amateur, el evidente comentario meta sobre la propia industria del entretenimiento o, sobre todo, el frenético ritmo de una producción empeñada en mantener su gimmick de un único plano secuencia a como de lugar. Pero si hay algo que la haga destacar quizá sea la calidad de sus actuaciones y lo muy bien diseñados que están todos y cada uno de los personajes, sobre todo el protagonista. Esto último es algo que se ha mencionado en muchas ocasiones pero sinceramente creo que si eres cineasta, o incluso si simplemente eres un espectador interesado en los trucos y técnicas del oficio cinematográfico, esta es una cinta que vas a disfrutar mucho y que jugará con tus expectativas recompensándote en todo momento.

Pero ojo: esto no es indispensable, ya que también tiene un gran disfrute incluso a un nivel superficial. No lo esperaba, si he de ser sincero, pero al final One Cut of the Dead ha resultado ser algo maravilloso y una de las mejores comedias zombis de los últimos años. Si es que incluso el final me ha parecido tremendamente emotivo y la confirmación de cómo la película termina de seducirte con la gesta casi heróica de ese pequeño equipo de rodaje serie Z. Muy buena y recomendable hasta el hartazgo.

Reseña: Jakob’s Wife (2021)

Durante una fallida aventura extra-marital, Anne Fedder, la esposa del predicador de una pequeña comunidad rural, es atacada por un vampiro que acaba de llegar al pueblo y comienza poco a poco a convertirse en un monstruo, lo cual no solo la empuja a beber sangre sino que además introduce nuevos desafíos a su vida de pareja. Esa es más o menos la premisa de Jakob’s Wife (2021), una simpática película de vampiros que parece traída de otro tiempo y que sin embargo logra salir dignificada gracias a un tono muy especial entre terror y comedia y sobre todo a las actuaciones de sus protagonistas.

En este apartado por supuesto destaca una maravillosa Barbara Crampton en el papel principal, más intensa y hermosa que nunca y con una presencia que se come por completo la historia. El caso de la Crampton es muy singular porque en los últimos años ha tenido una especie de renacer como actriz en numerosos trabajos de terror independiente, algunos de los cuales hemos reseñado aquí. Sin embargo, casi siempre su presencia estaba relagada a papeles secundarios destinados a dar legitimidad a películas que quizá habrían pasado un tanto más desapercibidas de no haber contado con ella. En cambio esta, en la que también hace de productora y que por lo visto intentó levantar desde hace ya varios años, le da el papel central y permite demostrar mucho mejor sus capacidades como actriz, sobre todo al emparejarla con Larry Fessenden (quien también ha venido apareciendo mucho como actor últimamente) en el papel del predicador, haciendo los dos un dúo con una gran química y momentos muy buenos.

Esta dinámica entre los dos saca a relucir otra cosa que me gustó mucho de la película y es la forma en que el tema del vampirismo sirve no solo como metáfora más que evidente de la liberación erótica de la protagonista sino también, sorprendentemente, como una vía de esta para recuperar la pasión menguante en su vida de pareja. Esto es algo curioso porque una producción más común quizá habría villanizado al personaje de Fessenden pero aquí ocurre todo lo contrario, ya que Jakob también tiene su propio arco de personaje paralelo al de su mujer, un detalle poco habitual que he agradecido mucho, como también he agradecido el aspecto puramente de terror con su claro ambiente de vampirismo retro y su más que evidente homenaje a Salem’s Lot (1979). Esto último se nota no solo en el detalle estético de los vampiros que llevan los colmillos en el centro de la boca sino también en el carácter andrógino y de otredad del villano principal.

Lecturas aparte, Jakob’s Wife es una película muy disfrutable que puede no ser para todo el mundo debido a los claros referentes que maneja, pero que en ningún momento toma el camino fácil de la caricatura sino que balancea muy bien sus componentes de terror y comedia, algo que la mayoría de estas joyas del pasado a las que referencia sabían hacer. Me ha parecido muy entrañable y una a la que vale la pena acercarse.

Reseña: Happy Death Day 2U (2019)

El mismo director de Happy Death Day (2017), Christopher Landon, repite en esta secuela titulada Happy Death Day 2U (2019) escribiendo además el guión, con lo que asumo ha tenido una considerable libertad creativa para hacer lo que quisiera. El resultado ha sido un tanto desconcertante en el sentido de que si bien al principio pareciera tomar un camino distinto y explorar la premisa inicial desde un nuevo punto de vista, la ilusión se desvanece muy pronto y termina siendo una segunda parte con muy poca imaginación que no solo no se aventura demasiado lejos de los límites ya trazados por su antecesora sino que encima parece quedarse corta tanto en sus componentes de horror (casi inexistentes ya) como (y esto si es una sorpresa) en su faceta de comedia.

Confieso que la ilusión funcionó conmigo y que al principio me atrapó: en los primeros minutos de la película (así como en su primer trailer) se insinúa que ahora es Ryan, uno de los secundarios de la original, quien se encuentra atrapado en un bucle temporal debido a un fallido experimento de física cuántica en los laboratorios de la universidad, y es Tree quien debe ayudarlo a salir del predicamento por el que ella ya pasó justo el día antes. Esto, como decía arriba, es un engaño porque casi inmediatamente después la película encuentra la forma de devolvernos a la primera casilla haciendo que nuevamente sea la chica quien se vea presa de la misma situación solo que agregando un muy superficial cambio relacionado con universos paralelos, ángulo que nunca es explorado de forma satisfactoria.

El resulado de esto es es una cinta que abandona en gran medida los preceptos de parodia slasher de la original y se afinca más bien en una premisa superficial de ciencia-ficción que ofrece una explicación al fenómeno del bucle temporal en las dos películas, detalle que confieso me gustó pero que parece ser solamente una excusa para repetir el mismo esquema de la primera parte con muy pocos cambios esta vez. Pero tal como mencionábamos antes, no solo parece ser más parca en cuanto a terror sino que también, sorprendentemente, resulta menos cómica al introducir elementos dramáticos en el arco de redención de nuestra protagonista y el trauma de la pérdida de su madre, que parecía resuelto en la primera película y que aquí resurge por motivos que no voy a revelar pero que resultan obvios una vez revelada la premisa del universo paralelo. Incluso los cambios que introduce estas premisas son todos muy perezosos y facilones, hundiendo la historia en una avalancha de clichés que incluye hasta un montaje musical de sucidios que da un poco de pena ajena por lo absurdos que son.

Con todo y eso, Happy Death Day 2U todavía tiene algunos aciertos, casi todos relacionados con el gran carisma de su actriz principal, Jessica Rothe, quien sostiene prácticamente todo el invento. Hay todavía detalles interesantes, pero como secuela es algo pobre y definitivamente muy por debajo de la primera parte en casi todo. Eso sí, una cosa voy a decir y es que a juzgar por la escena post-créditos, hay posibilidades de una tercera entrega que podría estar muy bien, sobre todo si deciden ponerle el para mí evidente título de Happy Death Day 3: And Many More que desde ya vaticino.

Reseña: Basket Case 3 (1991)

Dispuesto ya a terminar la saga me decidí finalmente a ver Basket Case (1991), tercera y última entrega, y el resultado ha sido descubrir que sigue más o menos la senda de la segunda: en esta ocasión hay un mayor presupuesto, una mayor inclinación hacia la comedia, nuevas criaturas y una mayor entrega (si cabe) a los excesos de la segunda parte, algo por otro lado típico de aquel momento de la carrera de Frank Henenlotter. También es, curiosamente, más sangrienta que su antecesora inmediata, pese a que según lo que he podido leer Henenlotter tuvo que hacer serios recortes a su guión original precisamente para rebajar el gore y la violencia que tenía planeada.

La trama tiene lugar inmediatamente después del desenlace de Basket Case 2 (1990) (hay incluso con un pequeño recuento de este en los primeros minutos) con Duane y su hermano Belial nuevamente separados mientras este último aguarda el nacimiento de su pequeña prole. Este nacimiento es lo que ocasiona que el grupo de monstruos se traslade a una mansión en Georgia donde habita un excéntrico médico acostumbrado a lidiar con monstruos, pero la presencia de la tropa (y, de nuevo, los intentos de Duane por escapar) causarán un enfrentamiento con las fuerzas del orden locales.

Precisamente es este enfrentamiento con la policía lo que da pie a uno de los detalles más interesantes de la película y que ya se venía anticipando con la segunda parte, y es que a diferencia de la primera cinta, los monstruos (Belial incluido) han pasado a ser los héroes del argumento, una pandilla de seres incomprendidos que solo desean la felicidad y a quienes la gente «normal» constantemente intenta destruir, en este caso mediante el secuestro de los hijos de Belial. Mediante esta dinámica la película consigue algunos de sus mejores momentos en la representación festiva de los fenómenos, con detalles como un pequeño número musical protagonizado por Annie Ross, quien vuelve como la matriarca de los monstruos y que es sin duda una de las mejores cosas de la película. Pero también la parte violenta tiene sus sorpresas, y secuencias como la del asalto a la comisaría contienen algunas de las muertes más desagradables y disparatadas del metraje, a pesar de que las ansias de la cinta por hacerse más familiar hayan rebajado considerablemente el contenido gore que por momentos se intuye.

Más que las otras dos, Basket Case 3 no es una película que recomendaría a todo el mundo y quizá decepcione a aquellos que sean más fieles a la original, ya que el camino que toma es muy distinto. Sin embargo, sí considero que es un cierre más que decente para una trilogía que surgió prácticamente de la nada y que sirvió sobre todo para mostrar las buenas artes de su director. Curiosamente, esta película sería la última que Henenlotter dirigiría en casi dos décadas, iniciando un largo silencio como director que se rompería con el estreno de Bad Biology (2008), su último largometraje de terror hasta la fecha.

Reseña: 13 fantasmas (1960)

Incluso para los estándares de sus contemporáneas, la versión original de 13 fantasmas (1960) es uno de los trabajos más ligeros que hiciera William Castle, quien como es bien sabido pasó a la historia más por los trucos con los que amenizaba las proyecciones que por sus propias habilidades como cineasta. Esta de la que hablamos hoy no es la excepción, y aunque resulta menos artificiosa que otros de sus trabajos como House on Haunted Hill (1959) o The Tingler (1959), por nombrar sus dos obras más conocidas, es también una de las más afincadas en la comedia y que menos puede considerarse «de terror».

La ligereza de la película se nota ya en un argumento que hemos visto muchas veces sobre todo en parodias de lo sobrenatural: una familia en serios apuros económicos ve cambiar su suerte cuando le toca en herencia una mansión de un familiar lejano que tenía en ella su particular colección de fantasmas, doce de ellos para ser exactos (incluyendo el fantasma del mismo familiar fallecido) que comenzarán a hacer la vida imposible a los recién llegados intentando cobrarse una vida para añadir un miembro más a su grupo. La gracia está, sin embargo, no en la trama en sí sino en el truco que Castle inserta en la película: el protagonista solo puede ver a los fantasmas poniéndose un par de gafas especiales, acto que en la proyección original era imitado por el público quien podía también ver a los espectros poniéndose unas gafas de cartón y celofán que se entregaban en la puerta del cine.

Por supuesto ninguna de las ediciones domésticas de la película hoy en día reproduce este particular efecto, aunque mucho me temo que tampoco nos estemos perdiendo de mucho porque el diseño de los fantasmas deja mucho que desear y parece estar más inclinado hacia la comedia que cualquier otra cosa. No solo eso sino que encima aparecen muy poco, siendo la mayor parte del metraje dedicado a las interacciones de la familia protagonista hablando entre ellos y sacando la mayor parte de las situaciones cómicas, algunas de ellas bastante penosas. Esto último es una lástima porque precisamente la premisa de la película y sus anbiciones de atracción de feria hacían que esta pidiese un tratamiento más espectacular que Castle no pudo o no quiso darle, optando en cambio por un entretenimiento mucho más ligero que desperdicia su propio potencial.

Nunca había visto esta película antes y debo reconocer que hacerlo me ha provocado curiosidad por revisitar su remake del 2001, el cual en su momento no me gustó nada pero que al menos sí parece haber entendido los requirimientos de la premisa a nivel de espectáculo. Esta de hoy tiene algunas ideas interesantes pero se siente como muy poca cosa si se le compara con el resto de la obra del propio William Castle, quien solía poner mucho más de su parte a la hora de hacer de sus películas una experiencia única para el público.

Reseña: Bride of Re-Animator (1990)

Aunque no llega nunca a los niveles de la primera parte, Bride of Re-Animator (1990) es una muy digna secuela que lleva la historia de Herbert West a nuevos niveles pese a contar más o menos la misma historia. En este sentido, uno de los mayores aciertos del equipo responsable fue el de pasar las riendas de la dirección a Brian Yuzna, quien fuera también productor de la original y probablemente el cineasta más indicado para dar continuidad a la visión de Stuart Gordon gracias a su predilección por lo grotesco y lo surrealista, cosas que dan a su estilo un empaquetado de horror al que no abandona ni siquiera durante sus evidentes concesiones a la comedia.

En esta ocasión Yuzna construye además una entrañable parodia de La novia de Frankenstein (1935) en la que Herbert West intenta ayudar a su amigo y compañero Dan a encontrar la forma de traer de vuelta a su chica aunque para ello tenga que construir una criatura a base de partes reanimadas de distintos cadáveres. Al igual que en la primera entrega ambos deberán enfrentarse a una serie de dificultades encarnadas no solo en la comunidad médica sino también en un policía que intenta vengar a su esposa (quien fuera reanimada por el misterioso suero del doctor West en la película anterior) y en el regreso del villano de la primera parte dispuesto a cobrar su propia venganza a pesar de haber quedado reducido solo a una cabeza viviente a la que terminan pegándole alas de murciélago.

De todas formas el argumento es lo de menos, a pesar de que es demencial y lleno de secuencias alocadas como todo lo que hace Brian Yuzna. Si hay un auténtico protagonista en esta película sería el increíble trabajo de efectos especiales prácticos de Screaming Mad George, que consiguen superar a los de la película original proporcionando algunos de los mejores momentos de la cinta, sobre todo en el clímax cuando el experimento de Herbert y Dan rinde sus frutos a la vez que son atacados por la horda de muertos vivientes traídos por su rival. Es en este apartado donde realmente la película hace justicia a sus orígenes y se convierte en una secuela mucho mejor de lo que cabría esperar, por mucho que se sientan carencias en cuanto a ciertos detalles interesantes que se dejan de lado. Uno de estos sería por ejemplo el regreso del villano de la primera parte, que parece estar aquí únicamente para proporcionar el toque épico del final sin que tenga mayor justificación en el resto de la historia, una que maneja quizá demasiadas subtramas simultáneas sin el mismo grado de interés.

De todas formas y a pesar de todo esto es una película muy divertida y una continuación más que solvente que eleva a la cinta original y al mismo tiempo nos regala más de aquello que la hacía grande, como los ya mencionados efectos especiales o el siempre genial Jeffrey Combs, aquí de vuelta en el papel que le hizo famoso. Si no me creéis, basta compararla con la tercera película, Beyond Re-Animator (2003), la cual sí vio reducido su presupuesto considerablemente y no resulta ni por asomo tan memorable o energética como esta. Una pequeña joya a rescatar, y para los seguidores de la obra de Yuzna una de las imprescindibles.

Reseña: The Eye 3 (2005)

Probablemente hayáis notado que en los últimos días he estado colgando reseñas de secuelas cuyas sagas había dejado olvidadas. Ahora, rascando el fondo de la olla, llega el turno a The Eye 3 (2005), también conocida como The Eye 10 o The Eye 3: Infinity, dependiendo de la edición de la que estemos hablando. Contrariamente a lo que me esperaba, este es un trabajo muy diferente de los dos anteriores hasta el punto de que solo un par de referencias puntuales lo vinculan a sus predecesoras. También es probablemente una de las secuelas más pobres que he visto jamás, incluso teniendo en cuenta los ya de por sí poco impresionantes estándares que la saga tiene.

Otra cosa que me sorprendió fue ver que incluso esta tercera entrega está dirigida por los hermanos Pang, directores también de las primeras dos y que nuevamente hacen uso de su ya conocida obsesión temática como es la dualidad cultural entre Hong Kong y Tailandia, esta vez centrada en un grupo de jóvenes amigos de la ciudad china que viajan al país vecino de vacaciones y se topan con un misterioso libro llamado Los diez encuentros (de ahí uno de los títulos), que supuestamente enseña con lujo de detalles diez métodos distintos para tener un encuentro sobrenatural. Cuando los jóvenes deciden poner en práctica los rituales a modo de juego, el resultado es el que podemos esperar tratándose de una película de terror.

Ya esta última frase es algo que hay que tomar con cierto escepticismo; desde sus títulos de crédito iniciales más apropiados para una comedia juvenil, lo cierto es que The Eye 3 no parece en muchos momentos una película de miedo. A pesar de que la amenaza a la que se enfrentan los chicos es real, así como los fantasmas, el tono que la película tiene es muy desconcertante en cuanto a que contiene varias escenas y secuencias que son abiertamente cómicas, aunque la película en sí no es del todo una comedia. Lo correcto sería decir que no parece tomarse a sí misma en serio, y si a eso le sumamos unos efectos especiales de baratillo y una trama un tanto errática en la que nunca queda claro el efecto que tiene el juego de los diez rituales, lo cierto es que el resultado deja mucho que desear.

Siendo sinceros, no esperaba que The Eye 3 fuese una buena película ni mucho menos, pero no me imaginaba hasta qué punto sus defectos han conseguido que las dos anteriores (sí, incluso la segunda) parezcan obras maestras en comparación. Lo curioso es que esta tercera entrega llega a mencionar directamente a sus antecesoras metiendo incluso metraje reciclado de estas, lo cual no hace sino resaltar las grandes diferencias de tono y estética que tienen con esta continuación cuyo nivel de calidad es tan bajo que si no fuera porque está hecha por los mismos directores no me creería que se trata de una secuela real.

Reseña: Basket Case 2 (1990)

En las últimas semanas he aprovechado para saldar varias deudas pendientes que tenía en cuanto a cine de terror de décadas pasadas, y entre ellas una de las sorpresas más positivas que me he llevado ha sido Basket Case 2 (1990), la cual nunca había visto hasta ahora y que me ha dejado muy impresionado porque tenía la impresión de que se trataría de una secuela alimenticia de una película genuinamente transgresora cuya trama para colmo había quedado bastante cerrada en su desenlace. Al final resultó ser algo muy distinto; esta segunda parte, si bien es considerablemente menos violenta que su predecesora, llega incluso a superarla en cuanto a su componente bizarro hasta el punto de ser una historia de todo menos convencional.

Por supuesto, el principal mérito que tiene es que a pesar de contar con un presupuesto más holgado y el respaldo de la SGE Home Video (una importante productora de cine para formato doméstico que para entonces estaba en su punto más alto), la cinta sigue estando escrita y dirigida por su creador Frank Henenlotter, un cineasta con una voz única que supo sortear las limitaciones de censura del mercado del directo-a-vídeo para darle a la película un giro distinto al de la primera parte pero sin llegarla a rebajar su eficacia. En esta ocasión los hermanos Duane y Belial, tras sobrevivir al final de la anterior película, son rescatados del hospital por una misteriosa anciana que los lleva a vivir con ella a su casa de campo donde habita con su hermosa nieta y un nutrido grupo de otros seres deformes y extravagantes a los que cuidan como si se tratase de su familia.

Es precisamente allí, en la incorporación de la familia de fenómenos, donde se encuentra el principal aporte de esta secuela y aquello que la convierte no solo en una comedia de terror sino también en una alocada historia de personajes marginados con deformidades absolutamente fantásticas e imposibles, incluyendo una versión femenina del propio Belial que pasa a ser el interés romántico del hermano monstruoso y da pie a algunas de las escenas más extrañas de toda la película. El énfasis que se hace esta vez en las criaturas (con unos efectos prácticos y de maquillaje muy superiores esta vez) es sin duda un alejamiento de la premisa slasher de la primera parte pero también dota a esta secuela de una identidad propia que la emparenta con otras historias de engrendos simpáticos como La parada de los monstruos (1932), de Tod Browning o Razas de noche (1990), de Clive Barker, que casualmente se estrenó el mismo año y con la que tiene varios puntos en común.

Por supuesto sigue teniendo sus puntos de terror; Belial sigue siendo un asesino, Duane sigue estando tan perturbado como siempre (excelente la actuación de Kevin Van Hentenryck, el mismo protagonista de la original) y la cinta contiene algunos pasajes muy oscuros e inquietantes incluso en sus momentos de risa, pero estamos ante un trabajo con un tono muy diferente al de su antecesora. Es también, sin embargo, una prueba de que Henelotter no dejó que una mayor cantidad de recursos le acomodara en el mainstream sino todo lo contrario; Basket Case 2 es una secuela muy digna que si bien disminuye la dosis de terror lo da todo en cuanto a locura y terror festivo. Una gozada.

Reseña: The Hunt (2020)

Uno de los slogans con los que se publicita The Hunt (2020) reza algo así como «la película de la que todo el mundo está hablando y que nadie ha visto». Me parece muy acertado y no creo que otra cosa explique la mala reputación que despertó su premisa en el momento de su estreno (estreno que por cierto se vio retrasado debido a tiroteos masivos en Estados Unidos y luego perjudicado por la crisis del coronavirus). Pero si algo está claro es que esa premisa despertó un prejuicio injustificado en gran parte del público ya que la cinta no satiriza aquello que la gente cree, o al menos de la forma en que lo parece al principio.

Esta idea a la que me refiero es algo que hemos visto ya empleado muchas veces, desde The Most Dangerous Game (1932), sin duda la referencia más obvia, a trabajos de survival horror más recientes en los que un grupo de desconocidos son cazados por una pandilla de millonarios que buscan cargárselos uno a uno por deporte. La gracia reside en que esta vez los antagonistas son un grupo de millonarios «progres» y los cazados son simples ciudadanos americanos «de derechas» a quienes las «élites izquierdistas» odian simplemente por haber apoyado a Trump, a quien no se menciona nunca pero cuya referencia resulta más que evidente a lo largo de la cinta desde el mismo momento en que los sobrevivientes son llamados «deplorables».

Ahora, es comprensible por un lado que la cinta haya causado este revuelo debido al clima de polarización política que la sociedad estadounidense está viviendo en este momento, pero ese es precisamente el blanco de la burla de una película como The Hunt, en la que ambos «lados» de la contienda están representados a través de sus más evidentes estereotipos hasta el punto en que todo en la trama no es sino una caricatura. Esto fue algo que me sorprendió mucho ya que pese a que sabía de lo que se trataba, no sabía que la cinta fuese una comedia: todo en ello, la acción hiperbólica, la risible representación de sus villanos o las exageradas escenas de muerte están hechas para causar risa en el espectador y como sátira funcionan muy bien, sobre todo cuando llega el desenlace y la trama finalmente encuentra su justificación, la cual no hace sino añadir una capa más de ironía a todo el asunto.

Siendo sinceros, eso sí, este ángulo de sátira política es lo único realmente novedoso que la película ofrece ya que todo lo demás es muy sencillo y convencional, tanto que me atrevería a decir que lo único que hace que The Hunt destaque es el excelente trabajo de Betty Gilpin como la protagonista. Gilpin, una actriz que ya me encantaba desde que la vi en la serie GLOW, está absolutamente genial como heroína de acción y su personaje levanta la cinta por completo alcanzando momentos brillantes a pesar de que en la mayor parte del metraje parece invencible y es solo al final cuando su personaje parece verse realmente ante un desafío. Vean esta película aunque sea solo por ella, ya que espero encontrarla en muchas cosas más.